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¿Es Hi-Fi Rush tan bueno como lo pintan?

Pocas veces tenemos la oportunidad de vivir un evento como el que sucedió la pasada semana. Un lanzamiento triple A anunciado y puesto directamente a la venta, totalmente localizado y doblado, y para colmo de una calidad excelente. Verdaderamente el estudio ha depositado confianza plena en el título. La sorpresa de la comunidad no se hizo esperar y todo el mundo se lanzó directo a probarlo. Pero ¿estaba todo este hype justificado?

Hi-Fi RushHi-Fi Rush

Los primeros acordes

La historia comienza con Chai, nuestro protagonista y aspirante a estrella del rock, que acude a inscribirse en el proyecto Amstrong de mejoras robóticas. Las casualidades de la vida le llevan a terminar con un brazo robótico con poderes magnéticos y un reproductor de música incrustado en el pecho. A partir de ahora la música regirá el destino de nuestras vidas y más nos vale aceptarlo cuanto antes porque la canción no ha hecho más que empezar.

El tutorial se basa en un concierto en el que al puro estilo rockstar, haremos vibrar al público con nuestra maestría con la guitarra, en este caso dando testarazos y no tocando. Si aprendemos bien los movimientos, el clamor del público nos acompañará durante toda nuestra aventura. Al igual ocurre con la banda sonora, tanto los artistas invitados como la música original del juego estará muy presentes a lo largo de la historia.

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Y es que Hi-Fi Rush vibra, baila y siente la música en todo momento. Y nosotros tendremos que hacerlo porque, como nos explica el juego nada más empezar, lo más importante es seguir el ritmo y eso se aplica a todo. Los saltos, los combos de combate e incluso nuestro movimiento irán acompasados con el ritmo de la música que está sonando. Igual ocurre con nuestros enemigos, cuyos ataques vendrán acompasados con el tempo, lo cual, si prestamos el oído suficiente, nos ayudará a esquivarlos.

Hi-Fi RushHi-Fi Rush

Que la importancia de llevar el ritmo en el juego no te eche para atrás a la hora de jugarlo. Lo nuevo de Tango Gameworks pone a nuestra disposición todas las facilidades posibles para que vayamos acompasados. Además, el hecho de seguir el ritmo no es obligatorio, sino más bien conveniente. De modo que aquellos que carezcamos del don musical en nuestros oídos tenemos una oportunidad.

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El estribillo

Hi-Fi Rush es un hack and slash con toques de acción y plataformas. Y en este caso las fases de plataformas son más importantes que en otros juegos del género. Nuestro amigo Chai deberá explorar la factoría robótica de cabo a rabo en busca de respuestas. Todo el escenario está plagado no solo de engranajes (la moneda del juego) sino de secretos y piezas de equipo que podremos encontrar. Es una de las características más importantes de Hi-Fi Rush, su exploración es constantemente premiada, ya sea con recompensas, easter eggs o retazos de humor.

La comedia es otra de las estrofas más destacadas de esta canción. Hi-Fi Rush es gamberro y descarado y conseguirá que mantengamos una sonrisa divertida a lo largo de toda nuestra aventura. El pobre Chai se verá envuelto en una rocambolesca historia en la que recibirá un golpe tras otro y los chistes y referencias a otros juegos serán constantes. Os aconsejamos que leáis y estéis atentos a todas las curiosidades del juego, un chiste muy repetido será la rotura de la cuarta pared, comparando los mismos protagonistas todo lo que les ocurre con un videojuego. “Por qué me hablas como si esto fuera un tutorial?”

Pero si hablamos de Hi-Fi Rush, tenemos que hablar de su música. Como ya comentamos en nuestras primeras impresiones, la banda sonora del juego es excepcional. No solo se limita a una gran composición de temas por parte del estudio, sino que cuenta con una serie de artistas invitados de lujo: Black Keys, Nine Inch Nails, The Prodigy… Al mismo nivel encontramos su apartado artístico, que reúne un estilo de dibujo americano y trazo grueso con los gráficos cel-shading que le sienta de maravilla.

Hi-Fi RushHi-Fi Rush

Un solo de guitarra

Pero no todo serán risas, música y jolgorio. Esto es un videojuego y detrás de esta rocambolesca historia hay un ejército de robots que derrotar si queremos escapar con vida. En Hi-Fi Rush contamos con dos tipos de ataque (fuerte y débil, obvio) además de un botón de esquivar. A partir de aquí todo se basará en golpear al ritmo de la música e ir sumando combos en combate.

Existe una suerte de tienda o lugar en el que canjear nuestros engranajes por nuevos ataques, ataques especiales, etc., por lo que nuestra pericia a la hora de manejar nuestra guitarra tendrá que ir en aumento. Paulatinamente, la dificultad irá subiendo y no podemos dormirnos en los laureles. La sucesión de habilidades necesarias para acabar con enemigos nuevos es constante, lo cual nos obligará a mantener nuestra mente en modo tutorial durante todo el juego.
La dificultad no solo vendrá de los combates, en Hi-Fi Rush también encontramos otro tipo de fases obligatorias para acceder a nuevas estancias. Las fases de puzle son algo complejas y de hecho pueden resultar algo tediosas, ya que se entremezclan con mecánicas de pulsar botones al ritmo correcto que pueden ser algo frustrantes. También encontramos fases de raíles que serán un agradecido respiro tras varios combates seguidos.

Hi-Fi RushHi-Fi Rush

El colofón final

Algo que me gustaría destacar de este juego en primer lugar son sus intenciones. A menudo nos encontramos videojuegos que no tienen claro lo que quieren, y se lanzan a por ello como locos. Hi-Fi Rush y Tango Gameworks saben muy bien lo que quieren y, lo que es más importante, tienen claro como conseguirlo.

Hablamos de un hack and slash con mezcla de plataforma enfocado para toda la familia. Desde un comienzo, su estética, su trama e incluso sus controles lo dicen todo. Esto es todo lo que hay. A partir de aquí y, lanzándonos al juego sin pretensión alguna, es cuando comienza a sorprender. Todo en el título está perfectamente medido a la perfección. Su duración es la perfecta (aproximadamente 10 horas) y tiene una buena capacidad de rejugabilidad si se quiere. Hemos probado Hi-Fi Rush en una Xbox Series S y su rendimiento no puede ser mejor. A pesar de fases de combate complejas y con enemigos, la tasa de refresco se ha mantenido estable en todo momento. Hi-Fi Rush es redondo. La primera gran sorpresa en este tímido 2023. Y que siga la fiesta.

En los únicos puntos en los que Hi-Fi Rush desafina, es en las fases de combinar botones que pueden resultar tediosas si nos cuesta seguir el ritmo, así como un par de jefes cuyas mecánicas no quedan claras en el proceso del combate. Hi-Fi Rush es casi redondo. La primera gran sorpresa en este tímido 2023.
Y que siga la fiesta.

Hi-Fi Rush

Dread Templar

Cuando piensas en juegos FPS retro a ritmo de heavy metal, siempre te vendrá a la cabeza Doom o Wolfenstein. La saga desarrollada por id Software sirvió de inspiración para todo un subgénero de videojuegos, que desde entonces nos ha traído todo tipo de versiones, además de una colección de fantásticos reboots del mismísimo estudio creador. Pero la razón por la cual hablo de esto es porque últimamente he vuelto a sumergirme en Dread Templar, ahora que se lanzará el juego oficialmente y dejará de estar en acceso anticipado. Teniendo esto en cuenta, el título que claramente se inspiró en Doom se enriquecerá con nuevos niveles, armas, enemigos y mucho más, y he podido verlo con mis propios ojos.

A pesar de que este juego cuente una historia, todo lo que tienes que saber es que Dread Templar te pide que dispares y te abras paso entre las hordas de demonios repugnantes para conseguir llegar al final del nivel. A diferencia de Doom y Doom Eternal, este título cambia los gráficos de alta resolución por elementos 3D pixelados para acercarse más a los años 90. Si no fuera por el hecho de que el juego funciona increíblemente bien con el hardware adecuado, podrías pensar que T19 Games lo ha sacado de un cartucho polvoriento guardado entre las cajas que alguien olvidó en su garaje durante los últimos 30 años.

La propia jugabilidad es increíblemente sencilla. Solo tienes que administrarte la munición y acertar los disparos con la función de puntería en primera persona, mientras esquivas los ataques de los monstruos que te acechan. Además, puedes conseguir objetos coleccionables y otros secretos, como por ejemplo puertas que solo se desbloquean encontrando la llave correcta, pero el objetivo principal de este juego es hacer estallar a los engendros infernales en miles de pedacitos.

En ese aspecto sí que cumple a la perfección. Es un shooter muy satisfactorio y rápido que pretende desafiar y entretener a todos los amantes de este tipo de videojuegos. También cuenta con una atractiva selección de armas que puedes encontrar y usar, además de un amplio abanico de enemigos a los que conocer y superar, dando lugar a un auténtico viaje lleno de emoción. Y lo mejor es que no te lo da todo de primeras. No, tendrás que adquirir nuevas armas y enfrentarte a nuevos enemigos en diferentes biomas a medida que avanza la historia. Siempre teniendo en cuenta que puedes adelantarte a algunas de estas zonas explorando las zonas secundarias secretas, que puedes encontrar en los niveles y conseguir un arquetipo de arma antes de tiempo.

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Dread TemplarDread Templar

Ya que estamos ante un juego retro en 3D, los efectos visuales pueden ser un poco monótonos, sobre todo al tratarse principalmente de un juego de demonios y engendros del infierno. Doom, por ejemplo, ha tenido una relación amor-odio con el color rojo. Así que aunque la parte gráfica nunca es algo que llame la atención, el rendimiento que permiten los gráficos de baja resolución sí que resulta sorprendente.

He podido probar Dread Templar en un ordenador de sobremesa con Intel i9-11900KF, RTX 3090 y 64 GB de RAM y en un portátil MSI Pulse GL76, y ambos ordenadores pueden ejecutar este juego a una velocidad de fotogramas tan alta que las pantallas conectadas no pueden alcanzar (muchas veces alcanza los 700 fotogramas por segundo). Esto significa que Dread Templar debería ejecutarse con una fluidez tremenda, independientemente de las características de tu ordenador, lo cual es una gran baza para un título que se enorgullece del gran dinamismo de sus combates.

Pero que el rendimiento sea tan fantástico no significa que no hayan algunas grietas en la armadura del juego. Dread Templar es compatible con mandos, pero algunos menús no están diseñados para ellos. Algunos niveles tienen unos colores tan monótonos que puedes perder la orientación. Y además, la narrativa está tan mal incorporada que se presenta sobre todo a través de imágenes fijas con diálogos en off al final de cada uno de los cinco capítulos. Sin embargo, por otra parte, Dread Templar es un juego para disparar monstruos, y solo en ese ámbito ya es un título muy distinguido.

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Y esa es la clave. Dread Templar es un FPS retro absolutamente divertido. Es directo, sencillo, impresionante, lleno de acción y muy emocionante. El tipo de juego perfecto para cualquiera que solo quiera adentrarse a un Doom de la vieja escuela y con una banda sonora de metal que te hará palpitar la sangre.

¿Es Bob Esponja: The Cosmic Shake un buen título de plataformas?

Cuando uno se tiene que enfrentar con ojo crítico a un título cuyo público objetivo se encuentra, principalmente, por debajo de los catorce años, se corre el riesgo de presuponer o asumir ciertos conceptos de otros títulos más adultos y pensar que la ausencia de ellos puede ser un punto negativo. Para evitar esto hay varias opciones con las que poder analizarlo: O sientas a tu lado a un niño que juegue contigo, o te dejas convertir tú mismo en ese niño por unas horas.

Suena más fácil de lo que parece, pero afortunadamente con Bob Esponja: The Cosmic Shake ha sido bastante sencillo retomar el papel de chiquillo con uno de sus primeros plataformas, y se debe principalmente a que Purple Lamp Studios nos ha brindado una aventura divertida, variada, con un buen diseño tanto en su jugabilidad como en su arte, y lo ha rematado con las voces originales de la serie de animación de cada país. Una atención al detalle que lo convierte no solo en uno de los mejores juegos de Bob Esponja, sino en uno de los plataformas más disfrutable de los últimos tiempos.

Bob Esponja: The Cosmic ShakeBob Esponja: The Cosmic Shake

Vayamos por partes. En The Cosmic Shake seguimos la pista al inseparable dúo de amigos Bob Esponja y Patricio Estrella, que viven apaciblemente en Fondo De Bikini. Durante una visita a la feria, Bob Esponja coge un pompero mágico con la capacidad de otorgar deseos a su portador, si este tiene corazón puro. El cuadrado habitante comienza a soplar compulsivamente y a sacar pompas, ofreciendo a sus mejores amigos (los personajes principales de la serie, como el señor Cangrejo, Calamardo o Arenita) sus mayores sueños. Pero al abusar de su poder, el tejido de la realidad comienza a romperse y el desastre arrasa con buena parte del fondo marino, haciendo que muchos de sus habitantes desaparezcan. Todo queda en manos de Bob Esponja y Patricio (ahora convertido en un globo que nos sigue a todas partes), que deben cerrar las brechas a otras dimensiones, rescatar a sus amigos y de paso dejar Fondo de Bikini como estaba.

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Con esta premisa, queda claro que vamos a vivir una aventura que podría haber sido el esqueleto sobre el que sostener una temporada entera de la serie, si contara con capítulos interconectados. Cada fisura nos lleva a un mundo diferente (como el del Salvaje Oeste, el del rodaje de las películas de kung-fu, o el de los piratas, por nombrar algunos, que son como reinterpretaciones temáticas del mundo de Bob Esponja) y en cada uno de ellos iremos saltando, deslizándonos y obteniendo nuevas habilidades con las que seguir avanzando para rescatar al personaje atrapado, tras lo cual el daño será revertido.

Bob Esponja: The Cosmic Shake

Y para avanzar, lo primero que hay que hacer es saltar. No exagero si digo que Bob Esponja: The Cosmic Shake tiene un elemento de plataformas que cualquier jugador encontrará satisfactorio y divertido. Ni tan exigente como un Crash Bandicoot, aunque tampoco tan resultón como un Mario o los últimos Ratchet and Clank. Bob Espona tiene varios ases en la manga con los que sortar cada obstáculo, y a los doble salto y lanzamiento de burbujas, se le irán uniendo nuevas mecánicas con las que desbloquear nuevas zonas (y volver a revisar anteriores en busca de secretos, con la consiguiente aproximación al metroidvania). Algunas son especialmente divertidas de utilizar, como la patada voladora o el gancho de pirata, pero en general todos son sistemas ya conocidos y vistos en otros tantos juegos, que aquí se recubren de una buena capa de Nickelodeon.

Además, hay una serie de enemigos creados con la fisura que no nos pondrán las cosas fáciles, y habrá algunos combates en mini arenas que aportan un puntito extra al desafío, sumado a la delicia que es pasear por los enormes entornos en The Cosmi Shake. Además, de nuevo podemos ver The Cosmic Shake como una aproximación al género de los juegos de acción, porque además de encontrar un montñón de tipos diferentes de enemigos, cada uno de ellos requiere de una aproximación diferente para derrotarlos.

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Bob Esponja: The Cosmic ShakeBob Esponja: The Cosmic Shake

Todo el diseño respeta y evoca a los dibujos animados originales, y para colmo la actuación con las voces originales no hace más que mantenernos con una sonrisa constante a cada paso (aunque ciertos comentarios genéricos con algunas acciones son limitados y por tante, muy repetitivos). El humor no se siente forzado, sino que también ha resultado ser un perfecto elemento conductor de la aventura, en la que Bob Esponja se implica hasta el extremo cuando interpreta su papel “temático” en cada uno de los lugares que visita.

Sin embargo, aparte de ser un elemento estético, todo el tema de la colección de trajes y apariencias para Bob Esponja es bastante irrelevante, y eso empaña un poco la rejugabilidad de los niveles. Con cada mecánica puede haber una pequeña área que alcanzar en los que ya hemos completado, pero si solo es par abuscar un disfraz, tampoco es especialmente alentador. De igual modo, las burbujas y demás moneda en el juego no sirven de gran cosa, y parece que están más “porque tiene que estar” que otra cosa.

Bob Esponja: The Cosmic ShakeBob Esponja: The Cosmic Shake

No creo que sea difícil que cualquier jugador pueda ver los créditos finales en The Cosmic Shake sin sudar demasiado. El juego es totalmente accesible y el sistema de mini-tutoriales es tan sencillo como de asimilar dichas mecánicas. Y además, el juego está perfectamente pulido, sin haber encontrado ningún tipo de error o bug gráfico que lo afee ni siquiera un poco. Por sacarle un pequeño “pero” al rendimiento, la versión de Switch me dio la sensación de tener algunas pantallas de carga algo más largas, de acuerdo a los estándares actuales. Pero como Bob Esponja: The Cosmic Shake no sale en la nueva generación de consolas, tampoco es algo que vaya a tener en cuenta (y menos si el juego en modo portátil de Swithch responde y se ve así de bien).

Ha sido tremendamente divertido disfrutar de Bob Esponja, incluso par alguien como yo de una generación anterior a su éxito en televisión. The Cosmic Shake es un título de plataformas bastante redondo que ofrece diversión familiar y un fantástico acercamiento a varios de los géneros de videojuegos con los que los jóvenes jugadores se encontrarán más adelante. Y hacerlo de la mano de Bob y Patricio es, en una palabra, desternillante.

Bob Esponja: The Cosmic Shake

¿Es Dead Space Remake una buena revisión del original?

Admito que me he quejado mucho de toda la naturaleza de los remakes y lo habituales que se están volviendo, pero eso no cambia el hecho de que lo que está cocinando EA Motive para el remake de Dead Space me intriga desde hace tiempo. A raíz de un evento de presentación el año pasado, he esperado con ganas el lanzamiento completo para ver cómo se desarrolla el juego. Y ya que ha llegado el momento, puedo comenzar este análisis afirmando con orgullo que este sí es un buen remake. En cuanto a la parte técnica, el pulido, la fidelidad y los nuevos añadidos, Dead Space es prácticamente perfecto. Pero antes de explicar cada detalle, permíteme que saque algunos trapos sucios.

La verdad es que ya no creo que el género de “supervivencia y terror” le haga mucha justicia a Dead Space. A diferencia de los Resident Evil, en los cuales puedes escapar de los enemigos y tienes que enfrentarte a los que te acechan, aunque literalmente no puedas detenerlos, Dead Space funciona de otra manera. Todavía tiene esa esencia de terror, pero en realidad este es un juego de acción que te deja al borde de la desesperación. Lo que quiero decir con esto es que nunca verás a Isaac en peligro de verdad, él siempre se muestra como el dueño de su propio destino y sin jugarse la vida mientras huye de los monstruos que le persiguen. No, Isaac Clarke es más un héroe de acción que prefiere resolver sus problemas disparando proyectiles de plasma en lugar de escabullirse y esquivar.

Con esto llegamos a la parte de la “desesperación”, que para que un juego tenga el título de “supervivencia” en mi opinión tiene que hacerte sudar con más amenazas que los enemigos que tienes delante. Si no, cualquier juego de acción o shooter estarían en esta categoría. Es verdad que Dead Space tiene algunos niveles que te pueden dejar sin aire, pero en el resto encontramos más bien una mecánica de juego de nicho en algunos momentos. No, el mayor enemigo que tendrá que enfrentar Isaac, y por el cual creo que la palabra “desesperación” describe mejor este título hoy en día, es la economía de la munición. Esta se basa en el viejo truco del “supervivencia y terror” de romper cajas y saquear cadáveres para conseguir munición cuando no hay tiendas cerca, y según mi experiencia, no es de las mejores mecánicas. A Dead Space le gusta otorgarte motones de créditos que podrás intercambiar por munición, lo que significa que correrás hacia la tienda más cercana solo para comprar montones de balas y poder continuar con la caza de necromorfos. Después de todo, por qué querrías gastarte todo en mejorar tu arma si no tienes munición para ponerla en práctica.

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Por eso creo que deberíamos dejar de categorizar a los títulos como Dead Space (e incluso el reciente The Callisto Protocol) como juegos de supervivencia y terror, porque en realidad no son ni la una ni la otra. No me malinterpretes, las mejoras y las nuevas adiciones que EA Motive ha introducido en este remake aumentan bastante el nivel de terror y ambientación, pero nunca sentirás miedo de verdad al jugarlo.

Dead Space RemakeDead Space Remake

Cuando hablo de mejoras, me refiero principalmente a la experiencia audiovisual, que no tiene comparación en la actualidad. Gráficamente, el juego te deja sin palabras, y la manera en la que los desarrolladores utilizan la niebla volumétrica y el vapor sobre los dispersos puntos de iluminación hace que la Ishimura irradie una atmósfera de hostilidad que nunca antes habías sentido. A esto le añadimos las mejoras en el audio que nos dan la posibilidad de usar sonido 3D en el juego, algo que sin duda tendrás que experimentar con auriculares, y cuando sientas cómo los necromorfos salen de los conductos de ventilación en todas las direcciones, sabrás que tu mejor amigo y única salvación serán tus oídos. Todo esto hace que el remake de Dead Space sea algo más que un simple remake, una nueva versión de la famosa serie de ciencia ficción que os animo a probar ajustando el nivel de brillo al mínimo, ya que tener que depender de la escasa iluminación y la linterna de Isaac hace que Dead Space se gane el título de género de terror.

La ambientación y las mejoras técnicas no son lo único con lo que EA Motive ha lidiado. En este remake, Dead Space es una aventura sin ninguna interrupción. Las pantallas de carga no son tan evidentes (se disfrazan como viajes en tren, tiempos de espera para que se abran las puertas, moviéndote entre lugares estrechos, etc.). Esto significa que puedes pasearte por todo el USG Ishimura sin tener que estar en un propio nivel del juego. Además, con la habilidad de desplazarse sin gravedad y acercarse a los alrededores, como lo hace Isaac en las secuelas del Dead Space original, le da a este remake un toque más actual y novedoso, a pesar de que la narrativa y la historia sean iguales que las que nos enamoraron en 2008.

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Dead Space RemakeDead Space Remake

Pero tampoco voy a decirte que Dead Space es perfecto, porque no lo es. En una conversación, Isaac parece desconectar y nunca se centra en la persona con la que habla, lo que resulta muy inquietante. También es difícil apreciar las mejoras que los desarrolladores han incorporado a los necromorfos enemigos (esqueletos, carne para incinerar y anatomías más detalladas), ya que utilizarás el mismo método para acabar con ellos, como por ejemplo volarles las extremidades. Es un poco más sangriento, por así decirlo, pero poco más. No hace que cambies tu forma de luchar. Es más probable que acabes utilizando tu cortadora de plasma para desmembrarlos en lugar de usar otro tipo de arma para eliminar estratégicamente a los enemigos, algo así como servirse del lanzallamas o el rifle de impulsos para volar o quemar la carne, de modo que puedas cortar con más facilidad el hueso con el cortador. Pero en la práctica nunca pasa.

Por lo demás, la forma de guardar partida me sigue pareciendo una mecánica que se ha quedado atrás, ya que el guardado automático no es muy frecuente. Nunca sabes cuando puedes confiar en el sistema automático o cuando debes hacerlo tú mismo hasta que ya es demasiado tarde y terminas en la pantalla de carga del último punto de guardado. Además, un último detalle que me chirría son los sistemas de vuelo (o más bien, de gravedad cero), que pueden volverte loco cuando te desorientas y no sabes por dónde ir. Por supuesto, esto sería una interpretación real de cómo sería moverse a gravedad cero, pero como nunca he estado en el espacio es algo que me marea bastante.

Pero nada de esto cambia mi opinión acerca de que el Dead Space Remake es uno de los mejores remakes que tenemos la oportunidad de jugar. Las mejoras técnicas, sonoras y gráficas crean una completa inmersión en el juego, y la calidad y el pulido son de agradecer si tenemos en cuenta otros juegos supuestamente acabados que hemos visto últimamente. Así que, tanto si eres nuevo en el universo de Dead Space o si quieres volver a él, merece la pena darle una oportunidad a este título tan emocionante, espeluznante, atrapante y, lo más importante de cualquier videojuego, divertido.

¿Merece la pena jugar Forspoken de lanzamiento?

En mi opinión, las dos primeras horas de Forspoken son de lo peor que han ofrecido los juegos triple A en años. Menuda afirmación para comenzar un análisis con el que, al final, recomendaré el controvertido exclusivo para PS5 de Luminous Productions. Y créeme, esto no es más que el principio.

Forspoken se ha retrasado varias veces, se ha enfrentado a las críticas de la comunidad de jugadores por su absurdo marketing y sus diálogos chistosos. Y cuando ni siquiera una demo ha podido disipar la mala prensa y el boca a boca negativo, ¿qué nos queda? Durante un tiempo casi parecía escrito de antemano que Forspoken iba a ser malo.

Y no es malo. Al menos no es tan malo, sobre todo cuando lo juegas. Pero alrededor de la experiencia central del juego existe una vorágine de elementos dispares, a los que les cuesta crear el tejido conectivo crucial que une una experiencia RPG como esta. Para ser un juego que trata esencialmente de correr, parece perderse en su propio camino en numerosas ocasiones.

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En Forspoken somos Frey Holland, y cuando nos la presentan en el comienzo del juego ella es poco más que una criminal. Una carterista que intenta llegar a fin de mes, luchando para escapar de Nueva York con su única compañía en el mundo: su gato. Cuando ese plan fracasa, se plantea quitarse la vida. Pero justo antes de rendirse por completo a la desesperación, es transportada a Athia por medio de Cepo, un brazalete mágico que parece contener el alma de un ser de otro mundo. Athia está en apuros, asolada por una fuerza misteriosa llamada “La Ruptura”, que corrompe y destruye todo lo que toca. El último bastión de la humanidad es la ciudad de Cipal, y es desde aquí desde donde Frey debe atacar y salvar a Athia, y de paso salvarse a sí misma.

Pues bien, una vez nos hemos quitado de en medio la sinopsis, puedo deciros que la parte neoyorquina de Forspoken es absolutamente horrible. Larga, dispar, poco entusiasta y mal conceptualizada, parece algo que se ha improvisado en cuestión de meses, y carece de pulido, cohesión narrativa o cualquier tipo de significado mecánico o estructural. Es cierto que nos prepara para Athia, pero deja la peor impresión inicial posible del juego. ¿En qué estaban pensando?

Forspoken sigue haciéndole perder el tiempo al jugador incluso después de haber construido la mayor parte de su narrativa, obligándole a pasar por innumerables tutoriales y aburridas tareas. Peor aún: ocupan mucho espacio en esas cruciales horas iniciales, pero no explican adecuadamente los distintos elementos del juego ni cómo se combinan en un todo cohesionado. No supe que podía gastar resistencia hasta pasadas cinco horas.

Imagínate mi sorpresa cuando a Frey, o a ti, por fin se te permite correr a tus anchas, explorar Athia, derrotar a grupos de varios tipos de enemigos y usar habilidades mágicas de parkour para escalar y avanzar. El juego consta de lo que ahora consideraríamos elementos normales y corrientes de un mundo abierto, como mazmorras con puzles y recompensas, un rudimentario sistema de equipamiento que puede mejorarse usando recursos encontrados en el mundo abierto, varias actividades repetibles y cosas por el estilo. No hace nada particularmente especial, pero lo que sí hace es enfrentarte a enemigos bastante interesantes, a los que puedes destruir con una impresionante y siempre creciente variedad de hechizos mágicos, cada uno más diferente que el anterior.

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ForspokenForspoken
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Al subir de nivel mediante XP y al reunir nodos de maná en el mundo abierto, consigues y mejoras gradualmente una amplia gama de hechizos ofensivos y defensivos, que se utilizan seleccionando L1 y R1, y lanzándolos con L2 y R2. Pueden funcionar en tándem, y un hechizo concreto puede tener varios usos dependiendo de cómo aprietes el gatillo. Aunque los combates complejos requieren cambiar de hechizo y pausar el combate con bastante frecuencia, la cantidad de personalización y personalidad que ofrece cada encuentro es fantástica. Y no solo eso, el sencillo, pero eficaz sistema de clasificación hace que siempre estés a punto de mejorar gradualmente.

Luego está el parkour. Aunque al principio no está muy bien explicado (como es habitual), mantener pulsado el botón círculo para recorrer el mundo abierto y utilizarlo junto con un bloqueo enemigo en combate es una forma fantástica de sentirte ágil, independientemente del tipo de encuentro que te encuentres. Aunque la cámara puede volverse ingobernable con muchos enemigos en pantalla, el combate está perfeccionado en torno al movimiento parkour, y funciona de maravilla cuando la animación, la estrategia y el pulido se unen en una experiencia refinada.

Jugar a Forspoken es alucinante, está pulido, es refinado y está bien ejecutado. Es el ojo del huracán, donde todo confluye en un todo cohesionado, lo que hace que resulte aún más frustrante cuando te ves obligado a salir del tranquilo centro y adentrarte en las zarzas de los sistemas auxiliares de Forspoken. En realidad, el guion no es un gran problema, y a pesar de algunos diálogos demasiado rápidos, Frey acaba siendo un personaje más redondo de lo que se temía en un principio, al igual que los principales antagonistas, los Tantas que habitan cada una de las zonas del juego. Sin embargo, hay un gran problema con el ritmo durante las escenas ‘scriptadas’, ya que la narración se ve interrumpida a menudo por segmentos demasiado simplificados y cortos, escenas aisladas y efectos de fundido a negro reguleros que constantemente le quitan dramatismo a lo que los personajes consiguen crear. Athia es un lugar interesante, no nos equivoquemos, pero el juego cojea a la hora de dar explicaciones cruciales y se mete un palo entra los radios de su propia rueda.

Como ya he comentado antes, hay actividades repetitivas en mundo abierto, pero la mayoría requieren combate, que es donde el juego realmente brilla, y a través de algunos magníficos combates contra jefes, una desafiante variedad de enemigos e incluso algo de plataformeo, los problemas aparecen principalmente cuando el juego deja de moverse a gran velocidad. Cuando te quita el control, te das cuenta de lo marrón que parece todo, a pesar de cierta variedad ambiental introducida en zonas de fases posteriores, y de lo feo que parece también. Es decir, Forspoken no es un juego bonito ni mucho menos, y si necesitas en tu vida 60 imágenes por segundo (algo que recomiendo encarecidamente dadas las grandes posibilidades que ofrece) te encontrarás con modelos de personajes pixelados, animaciones faciales que no son las ideales y algunas coreografías simplistas. Una vez más, esto mejora enormemente cuando te mueves, cuando exploras, cuando luchas, y la mayor parte del tiempo, eso es lo que Forspoken quiere que hagas, lo que realmente suaviza el golpe de que el aspecto visual del juego en general sea tan flojo.

Puede que después de leer todo esto, Forspoken ya no te guste o no te llame la atención. Tal vez hayas jugado a la demo, hayas visto mucho gameplay y te parezca que está mal hecho y mal montado. No estoy aquí para decirte que te equivocas; las escenas son olvidables en su mayor parte, casi horribles, la historia es aceptable, sobre todo porque Frey y Cuff acaban siendo un dúo que funciona bastante bien, y hace poco por innovar estructuralmente. De nuevo, el enorme anillo exterior del huracán daña adecuadamente la experiencia central de Forspoken, y aquí no hay excusas: esto podría y debería haber sido mejor.

Forspoken

Por el contrario, Luminous Productions tiene mucha suerte de haber construido un bucle de juego tan increíblemente satisfactorio, con hechizos increíbles, parkour disfrutón y una sólida variedad de enemigos. Eso es lo que haces casi todo el tiempo en el juego y, por tanto, lo que más te pide el cuerpo es jugar. Seguramente haya mucha disparidad en las notas de los distintos medios para Forspoken, además, probablemente también verás a algunas personalidades con cierto peso burlarse de sus rebuscadas escenas y su desigual ejecución (de nuevo, todo totalmente merecido y esperado, cuando has pasado docenas y docenas de horas en Athia, como yo). Pero en lugar de dejarse arrastrar por ese cúmulo de ideas, creo que es necesario insistir una vez más: jugar a Forspoken es divertido, es entretenido. Eso es lo que lo hace difícil, y la razón por la que algunos pueden ver la nota final y pensar que es demasiado generosa o demasiado dura, dependiendo de la valoración que cada uno haga de los elementos centrales del juego. Para mí, lo que importa es que Forspoken es divertido la mayor parte del tiempo, pero es una pena que el resto de elementos del juego intenten arruinar esa diversión a cada paso.

Ni WaveRace ni A Plague Tale, ¿qué es Wavetale?

Hace alrededor de un año Wavetale se lanzó para Google Stadia, y ahora ha salido también para PlayStation, Xbox, Nintendo Switch y PC. Es un pequeño juego de aventuras con combates ligeros, plataformas de vez en cuando y una manera de moverse divertida que parece casi un baile, pero vamos con los detalles más adelante.

En un mundo inundado, te pones en la piel de Sigrid, una chica que vive en una pequeña isla con su abuela. Su mundo se ve amenazado por una niebla contaminada que ya ha envuelto gran parte del mundo, pero las dos se mantienen firmes haciendo que su faro siga en funcionamiento y, al hacerlo, mantienen a raya la peligrosa niebla. Después de unos incidentes que ponen en peligro aún más todo su mundo, Sigrid y su abuela se embarcan en una aventura para acabar de una vez por todas con la peligrosa y contaminante niebla.

Wavetale

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Al ponerte en la piel de Sigrid, viajas por el mar resolviendo varios puzles simples mientras luchas contra unos enemigos básicos que parecen tener algo que ver con la niebla contaminante. Por el camino, pasarás por un montón de islas en las que puedes desembarcar, algunas habitadas, otras abandonadas y otras con construcciones como fábricas, miradores, faros y otras estructuras. En ellas hubo vida en algún momento antes de que la niebla se apoderase del mundo.

El mayor atractivo de Wavetale es la forma en la que Sigrid se desplaza entre todas estas islas. No es en barco, sino sus propias piernas, debido a que Sigrid tiene una habilidad mágica que le permite tanto correr y surfear sobre el agua, como nadar a gran velocidad por debajo del ella durante un corto periodo de tiempo. Te sientes casi como si fueses un delfín humano saltando de ola en ola con una facilidad danzante, casi flotando en la superficie del agua a gran velocidad. Va muy bien y nunca te aburres de moverte así, aunque te pases un buen rato haciéndolo.

También estás bastante tiempo con Wavetale en las distintas islas, luchando contra enemigos sencillos, resolviendo pequeños rompecabezas, dándole a interruptores y escalando las altas estructuras que hay en algunas de las islas; algo que parece casi un pzzle en sí mismo. Vas saltando de plataforma en plataforma, volando por los aires hacia distintos puntos con la red de pesca mágica de Sigrid que utilizas como garfio para moverte cada vez más alto. El sistema de combate es sencillo; consiste en un ataque rápido y en otro potente, y sueles necesitar solo unos pocos golpes para hacer desaparecer a los enemigos.

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Wavetale en un juego bastante fácil y relajante (acabé muriendo una vez durante mi partida, y fue porque la cámara se atascó y me vencieron unos enemigos que no podía ver). La experiencia de juego es simple y no varía mucho, pero resulta muy relajante ir bailando sobre la superficie del agua y visitar las diferentes islas y a sus extraños habitantes. Puedes hacer todo en unas 5 o 7 horas, dependiendo de cuántas misiones secundarias y desafíos a contrarreloj aceptes.

Wavetale tiene una dinámica de partida que engancha y es una experiencia relajante, sin embargo, el aspecto técnico no es tan agradable. Estéticamente, los gráficos son bastante bonitos; el mar en movimiento tiene un aspecto estupendo y todo el conjunto luce un estilo alegre y aventurero que encaja muy bien con la historia. Desgraciadamente, todo funciona un poco mal, sobre todo si giras la cámara alrededor de Sigrid, ya que aparece adolece de ‘screen tearing’ por el que la imagen se rompe casi por la mitad. No es algo que estropee el juego o que haga que no se pueda jugar, pero no es agradable a la vista.

Me costó bastante entender cómo funcionaba la parte del sonido. A veces parece que faltan ciertos efectos de sonido y otras veces están ahí; hay porciones musicales que están sonando todo el tiempo y otros parecen faltar por completo. A no ser que se trate de una elección consciente de los diseñadores de sonido (no consigo saber si es así o no), lo cierto es que hay momentos en los que es muy silencioso y parece un error. En cambio, la banda sonora es muy relajante y está presente en todo momento.

Wavetale da una de cal y otra de arena. La parte técnica es un desastre y esperamos que Thunderful la optimice pronto, porque detrás de estos problemas técnicos se esconde una pequeña aventura bastante entretenida. A pesar de que ninguno de estos problemas estropea la experiencia de juego, no es bonito de ver y sí que empaña la experiencia un poco.

Crítica de Children of Silentown, una oscura aventura point and click

Daedalic Entertainment se ha convertido en casi un sinónimo de los juegos point-and-click. A lo largo de los años, la publicadora ha puesto a disposición de los fans todo tipo de proyectos de este subgénero de juegos, y este enero no será la excepción. Desde el 11 de enero ya está a la disponible su oscura y evocadora aventura, Children of Silentown, de la mano de Elf Games y Luna Studio, y he tenido la oportunidad de probar el juego antes de esa fecha para ver qué tal está.

Pero antes de entrar en el meollo, te preguntarás ¿exactamente qué es este lanzamiento? Children of Silentown es un tétrico juego de aventuras que mete a los jugadores en la piel de una chica llamada Lucy que va desentrañando un inquietante misterio que gira en torno a la desaparición de los habitantes de Silentown. Al contrario que una comunidad convencional, este pueblo está rodeado por un bosque inquietante que parece albergar todo tipo de bestias y criaturas repugnantes, y se cree que estos monstruos son los culpables de tantas desapariciones. O es así hasta que la madre de Lucy desaparece y eso lleva a la joven a plantearse preguntas a las que nadie quiere dar respuesta y a emprender un peligroso viaje para descubrir la verdad que se esconde en el alma de este llamativo e inquietante pueblo.

El concepto básico de Children of Silentown es el de deambular por el pueblo y hacer preguntas a los habitantes, recoger objetos y combinarlos con otros para poder acceder a nuevas zonas, y hacer todo esto para descubrir nuevas pistas y pruebas. Se trata de un point-and-click de misterio, por lo que no tendrás que hacer mucho más, aparte de intentar descubrir cuál es el siguiente punto secundario de la trama; hay veces en las que estará delante de tus narices, y otras veces estará creado de una manera tan poco clara y oculto tras puzzles de lógica que te tocará deambular sin rumbo e ir haciendo clic en absolutamente todo lo que puedas para encontrar la solución. Dependiendo de la situación te puede resultar tanto emocionante como frustrante.

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Para ayudar y hacer más sencillo todo esto, Children of Silentown otorga a Lucy tanto un diario como una barra de inventario que puedes utilizar para ir llevando un seguimiento del estado actual de tu investigación. En el inventario encontrarás todos los objetos que has cogido y podrás combinarlos para crear nuevas herramientas; probablemente sea aquí donde también encuentres un artículo de misión relacionado con el capítulo de la historia (como por ejemplo, una nota garabateada con cosas que has descubierto o una lista de la compra) que te ayude recordar lo que se supone que tienes que estar haciendo. Por otro lado, el diario es para que puedas llevar un registro de las notas musicales que has descubierto, algo que es un elemento añadido muy importante para la fórmula del juego porque te tendrás que aprender canciones que te servirán para interactuar mejor con el mundo. Esto podría servirte para desbloquear los recuerdos rotos de los habitantes del pueblo (que tendrás que restaurar jugando a un minijuego), o para poder ver qué conexión importante tiene un objeto con el mundo, algo que también se desbloquea con un minijuego de otro estilo.

Children of SilentownChildren of Silentown

Todas estas cosas crean una experiencia de juego repleta de misterio e intriga que mejora por una trama y diálogos llenos de carisma y con encanto. Te sumergirás en la historia y hará que quieras hablar con todos y cada uno de los personajes para descubrir qué ocultan y si te ayudarán a avanzar en tu investigación. Sin embargo, el problema es que muchas veces es difícil saber lo que tienes que encontrar y hacer, porque normalmente una pequeña interacción está ligada a un montón de cosas que hay que hacer antes, y si te dejas algo por el camino, lo más probable es que te quedes vagando sin rumbo y haciendo clic a lo loco para encontrar algo con relevancia, literalmente.

Desde mi punto de vista, consideraría el ritmo un problemilla por esta razón. Te pasarás partes del juego sin ningún problema y luego te quedarás atascado un tiempo, algunas veces más y otras menos. Afortunadamente, Silentown es agradable a la vista y eso hace que recorrer este mundo dibujado en 2D sea menos pesado. El estudio ha hecho un trabajo fantástico al crear un mundo que es a la vez inquietante y encantador, y con mucha profundidad, y esto sin duda es algo a su favor.

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Children of SilentownChildren of Silentown

No obstante, a pesar de los puntos positivos y cosas en las que Children of Silentown lo borda, se me hace imposible ignorar los momentos en los que me hace querer darme cabezazos contra la mesa. La historia y el diálogo están bien hechos, la ciudad está dibujada de forma asombrosa y la trama es profunda e inquietante, pero hay demasiados ratos en los que sientes que no tienes ninguna opción y te bloqueas, y cuesta salir de ahí. Aun así, si lo tuyo son los juegos de point-and-click con misterios perturbadores, te merece la pena echarle un ojo a Children of Silentown, porque en general, la emocionante historia supera este ritmo tan irregular.

¿Es Fire Emblem Engage la mejor puerta de entrada a la serie?

El género del JRPG táctico siempre ha tenido un gran nombre asociado, y ese es Fire Emblem. Desde hace más de 30 años, la serie no solo ha subsistido, sino que se ha enriquecido con cada nueva iteración (y van 17 entregas, si tenemos en cuenta las que nunca salieron de Japón), creando un universo rico en el que casi siempre se ha regido por un árbol de sistemas de juego que encajan perfectamente para que el juego funcione suave como un reloj suizo.

Reconozco además que pensaba que mi experiencia iba a ser mucho más dramática con Fire Emblem Engage, precisamente porque me he subido al carro de la serie de Intelligent Systems con él. Tal vez por eso pueda pasar por alto algunos matices que los veteranos seguro que encontrarán, pero también espero poder exponer sus fortalezas y debilidades a los que, como yo, se adentren en la saga por primera vez con esta entrega.

Fire Emblem EngageFire Emblem Engage

El título comienza con una espectacular secuencia inicial, que no es ni más ni menos que la batalla final entre nuestro personaje (sea chico o chica, porque podemos elegirlo) Alear, el Vástago Divino. Gracias un grupo de héroes y el apoyo de sus Emblemas (que son los héroes de anteriores títulos de Fire Emblem) logran derrotar a Sombron, el Dragón Caído. Pero tras la contienda, Alear cae en un sueño durante mil años y solo despierta para descubrir que ha perdido todos sus recuerdos, y que la amenaza sobre Elyos ha regresado. Tendrá que recuperar los doce anillos Emblema y restaurar la paz en el continente, recorriendo las cuatro regiones y derrotando al ejército de aberraciones que lidera. Una tarea que no tendrá que afrontar solo, porque a la aventura se irán sumando un buen número de aliados expertos en distintas disciplinas del combate y la magia a los que habrá que conocer en profundidad para aprovechar sus habilidades en la inminente batalla.

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Voy a detenerme de nuevo aquí, porque creo que el hecho diferencial para que este juego me haya calado tan hondo es porque opté a jugarlo con muerte permanente de los personajes. Al comienzo de la partida, el menú de opciones nos permite elegir entre activar la muerte permanente de los héroes (o derrota definitiva, si son relevantes para la narrativa, aunque no vuelvan a combatir), o que tras cada victoria los caídos regresen al plantel de aliados seleccionables. Esta decisión va mucho más allá de ser modo fácil o no. El hecho de que esos aliados (cada uno con su trasfondo, línea de relación con Alear y habilidades en batalla) puedan desaparecer, o incluso morir, afecta a todos los sistemas que hay tras el juego. La primera vez que perdí un aliado (un mago con hechizos de fuego en el Capítulo 5) sentí un golpe en el pecho. Desde aquel momento, mi estilo de juego cambió por completo.

Fire Emblem EngageFire Emblem Engage

Desde ese momento, tras cada batalla dedicaba un buen rato (horas, incluso) a recorrer la base de El Somniel, hablar con cada uno de sus habitantes y repasar paso a paso cada tienda, equipamiento, entrenamiento y afinidad de mi equipo. No es solo que estuviera bien preparado contra lo que fuera que apareciera en la siguiente misión, es que algunos de esos personajes han sido imprescindibles de mi estrategia, y aunque la principal condición de batalla es que no derroten a Alear, sentía la presión por manternerlos con vida y protegerlos a toda costa.

Aunque no haya probado Fire Emblem: Three Houses, sí conozco lo suficiente la serie como para reconocer que Engage es una vuelta a la experiencia clásica de la serie. El sistema de Espada-Lanza-Hacha vuelve a estar presente, y toda la narrativa en torno a la fusión con los Emblemas (héroes), que son los protagonistas de otros Fire Emblem, grita fan service por los cuatro costados. Y eso no es malo, pero también es un peso que ha lastrado la historia principal del juego, reducida a un viaje del héroe bastante sencillo y que salvo dos o tres giros de guion, no me ha parecido nada del otro mundo.

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Fire Emblem EngageFire Emblem Engage

Pero el núcleo central de Engage son las batallas por turnos, y la nueva habilidad para fusionar personajes con los Anillos Emblema, que contienen el espíritu de los héroes del pasado. Cada uno de ellos (yo reconocí al momento a aquellos que aparecieron en Super Smash Bros., pero hay otros que vienen de Echoes, Awakening y más) le aportan al personaje portador del anillo habilidades adicionales, y al fusionarse incrementan sus estadísticas durante un número determinado de turnos. Además, conocer la ventaja de cada clase respecto a los enemigos nos lleva a aprovechar otra de las novedades de Engage: el punto de ruptura. Si llevamos a un enemigo a este punto, no solo se llevará un daño crítico en el ataque, tampoco hará un contraataque en represalia. Una escaramuza puede definirse por una resolución rápida si sabemos manejar esta función, que es una de tantas que, entretejidas, hacen que cada batalla sea única. Y si no, siempre se puede usar Cristal Dracónico del Tiempo para retroceder unos cuantos turnos (si vemos que nuestras decisiones podrían haber sido mejores) y cambiar el destino de los personajes y de la batalla.

Mientras recorremos el continente de Elyos habrá misiones secundarias en las que obtener mejor equipo o nuevos aliados, pero incluso dentro de cada batalla puede haber situaciones especiales que también influirán en nuestras decisiones. ¿Es mejor ceñirse al objetivo principal y acabar rápido, o es mejor desviarse a por esos cofres con equipo de primera, que seguro facilitan la siguiente misión, aun a riesgo de perder a alguien en el camino? Decisiones que no siempre son fáciles, pero que creo que logran crear esa sensación de que realmente somos el héroe de una historia y el capitán de un grupo de guerreros con los que todos querríamos vivir aventuras.

Fire Emblem EngageFire Emblem Engage

La dificultad de Fire Emblem Engage no radica siempre en el desafío de avanzar misión tras misión, sino en hacerlo con el menor número de bajas posible, con el equipo idóneo con una estrategia de equipo que pasa por conocer al detalle a cada una de las unidades. Suena más complicado de lo que realmente ha sido, y por eso opino que Engage es la puerta de entrada perfecta para la serie, y un festival de buenos recuerdos para los que ya vivieron aventuras junto a Marth, Celica, Sigurd y el resto de Emblemas. Un juego que intercala perfectamente los períodos de acción con los interludios tranquilos y amenos en los que charlar con los personajes, jugar a minijuegos y probar nuevas armas. Y si esto es Fire Emblem, aquí ha nacido un nuevo fan de la serie.

Fire Emblem Engage

Northern Journey

Me da la impresión de que la gente suele utilizar términos como “tesoro escondido” de una manera equivocada a la hora de hablar de juegos independientes que en realidad tienen una cantidad considerable de reseñas y unas cifras de venta sólidas a sus espaldas. Sin embargo, creo que el término está más que justificado si se habla del caso de Northern Journey, porque el título salió a la venta en 2021, pero no ha sido hasta ahora, a principios de 2023, que me he enterado de su existencia gracias a un brillante hilo de Resetera. Tiene cerca de mil reseñas de usuarios en Steam, y con una rápida búsqueda en Google podemos confirmar que no cuenta con más que unas cuantas reseñas críticas y videos sobre él. Por lo tanto, ahora me toca a mí intentar convencer a la gente de GR de que de verdad merece la pena echarle 10 horas de tu vida y, ya que estamos, apoyar a un estudio noruego que tiene muchísimo talento.

¿Cómo puedo describir Northern Journey? Un usuario random la clavó al describirlo con estas palabras: “Es como si David Lynch hubiese dirigido un juego de Elder Scrolls”. Y así es, Skyrim es probablemente el primer juego que se te viene a la cabeza cuando empiezas a jugar a Northern Journey, que básicamente consiste en explorar un mundo con una clara inspiración nórdica: bosques oscuros, cuevas tenebrosas, pantanos tétricos, fiordos profundos y montañas cubiertas de niebla. Es un mundo que parece frío, duro y opresivo, pero a la vez melancólico gracias a una banda sonora que crea una atmósfera fantástica y a veces sombría, e incluye canciones distintas para cada una de las zonas del juego. Da la impresión de que el proyecto se ha creado en el Creation Engine de Elder Scrolls, aunque parece ser que ha sido en el Unreal Engine 4, y, sin embargo, todo tiene un estilo más “artesanal”.

Northern Journey

Creo que todos estamos de acuerdo en que los últimos juegos de Elder Scrolls, con sus mundos abiertos enormes, rara vez ofrecen un diseño de niveles muy emocionante y sofisticado de una zona a otra. En cambio, Northern Journey consigue triunfar en este ámbito por su diseño bien enfocado y lineal (hay zonas semiabiertas, pero siempre hay un camino que es el correcto para seguir), algo que parece inspirarse tanto en Zelda como en los Souls. En el primero, debido a que, a menudo, tienes que encontrar llaves, ruedas, columpios de mano y artilugios similares para desbloquear zonas cerradas, y con los segundos porque te topas con puertas que solo las puedes abrir desde el lado opuesto; constantemente estás creando atajos útiles entre zonas bajando palancas, poniendo en marcha ascensores, con tirolinas, etc. También debido a que, de vez en cuando, tienes retroceder por zonas con plataformas desgastadas y porque los personajes del título son crípticos tanto por la forma que tienen de hablar como en sus pistas y sus motivaciones.

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Por esto tiene mucho sentido que el usuario de Steam que hemos nombrado antes se imaginase a David Lynch como director del proyecto. Northern Journey es alucinante, en parte por gracias a esos personajes crípticos, al humor negro del juego y a su atmósfera tan pequeña y espeluznante, pero también porque el mundo está rodeado de tanto misterio como niebla, ya que el estudio se ha inspirado en gran medida en el folclore nórdico (brujas, duendes y cosas del estilo).

Así que, ¿es el juego una obra maestra “perfecta”? Para nada. No todas las zonas del juego tienen la misma calidad, los combates contra los jefes pueden ser muy frustrantes y, en general, el sistema de combate podría describirse como “cutre”. Vas corriendo en primera persona y usas armas como hondas, arcos y hachas para acabar con todo tipo de bichos espeluznantes (si tienes alguna fobia a algo de eso, este NO es tu juego). El sistema de combate recuerda mucho a Doom, Quake, Unreal Tournament y juegos del estilo, debido a la rapidez de los movimientos del jugador y a los cargadores de vida y munición que hay repartidos por el entorno. Pero los enemigos también son rapidísimos, saltan como ranas y te chupan la vida en un santiamén, así que muchas veces te toca esprintar desesperadamente de un lado para otro, con mosquitos gigantes y sanguinarios, sanguijuelas y otras maravillas persiguiéndote, mientras te dejas la vida, para que luego que toque dar la vuelta solo un segundo para intentar darle al objetivo con un punto de mira muy pequeño y poco fiable.

Northern Journey
Northern JourneyNorthern Journey

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Esta es la razón por la que, además, te aconsejaría guardar la partida constantemente. El juego no se va guardando automáticamente, depende del jugador el acordarse, pero afortunadamente es sencillísimo y rápido guardar la partida con la tecla 5. Por cierto, el título está muy bien optimizado y se ejecuta de forma brillante en dispositivos más antiguos o que no son adecuados.

Northern Journey no es solo una versión dopada de Skyrim. Aunque es verdad que se ve claramente la inspiración, desde mi punto de vista, la mecánica del juego crea una identidad sumamente cautivadora. El mundo es fascinante y el nivel de diseño que hay en la mayor parte de la aventura te hace sumergirte tanto que puedes pasar por alto al estudio el sistema de combate a medio hacer. El fundador del estudio independiente Slid Studio, un noruego llamado Øystein, sin duda es alguien del que tenemos que estar atentos en el futuro, y se merece bastante más atención por esta pequeño diamante en bruto que ha lanzado en Steam. Es el título perfecto para jugar en un día de lluvia con una taza de café al lado.

KartRider: Drift

Jugué bastante a Kartrider: Rush hace un par de años. Recuerdo que era uno de esos juegos gratuitos con un “aire a Mario Kart” con los que mi hijo, que entonces tenía cinco años, y yo pasamos algún tiempo, pero sería mentir descaradamente si dijera que lo recuerdo como especialmente bueno. Gráficos encantadores y coloridos y una buena presentación, sí, pero la conducción en sí no era nada del otro mundo.

A pesar de ello, esperaba con ciertas ganas este nuevo Kartrider: Drift, que se centra, por supuesto, en correr por variopintas pistas montado en un simpático minikart. Kart Rider: Drift es igual que Crash Nitrokart, Diddy Kong Racing, Sonic Racing, Cartoon Network Speedway, Dreamworks Super Star Kartz, Nicktoons Racing, Star Wars: Super Bombad Racing, Pac-Man World Rally, Chocobo Racing, Konami Crazy Racers, Modnation Racers, Little Big Planet Karting y Warped Kart Racers, una copia descarada de Mario Kart. Es increíble la cantidad de imitaciones de Mario Kart que se han lanzado en los últimos 30 años, y el hecho de que sigan desarrollándose y llegando a todo tipo de plataformas es la prueba definitiva de lo bien que Nintendo ha cuidado su querida serie de carreras a lo largo de los años.

KartRider: DriftKartRider: Drift

Si, como yo, juegas en Iphone o Android, el diminuto kart se mueve solo mientras conduces y activas los objetos que se recogen. La mecánica de derrape es muy sencilla y consiste básicamente en girar y empezar a derrapar, de lo que apenas puedes salir. Aquí no hay tracción, en absoluto. Nada. En Kartrider: Drift derrapas más que conduces en línea recta, y podría haber sido divertido si el derrape contuviera delicadeza o algún tipo de desafío. Esto recuerda más a conducir un coche sobre una pastilla de jabón y la diferencia de agarre en superficie (entre, por ejemplo, asfalto, hielo o grava) es nula.

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Evidentemente, esta mecánica del juego ha sido desarrollada por un equipo que no se ha molestado en pensar en ello, y pronto se presenta como aburrida, monótona y simple, ya incluso desde la parte del tutorial en el juego.

KartRider: DriftKartRider: Drift

A esto hay que añadir una sensación de velocidad mediocre y un diseño de circuito adaptado a la física de los karts resbaladizos y enjabonados, que hace que parezca que te desplazas más hacia los lados que hacia delante, lo que, en mi opinión, le quita todo el sentido a las carreras.

¿Y los gráficos? Se parece a Kartrider: Rush, casi idéntico en algunas partes. Creo que la presentación es agradable y la posibilidad de personalizar el vehículo con colores, calcomanías y estilo propio es definitivamente buena, pero no puedo recomendar este juego por varias razones. La conducción es pésima, el sonido es horrible (se repite en bucle un breve sonido de derrape durante una eternidad que al final solo suena como frotar un trozo de espuma de poliestireno contra un cristal) y las carreras se vuelven rápidamente monótonas. Puedo reconocerle cierto mérito en la tasa de refresco y el crossplay, pero eso no borra mi decepción ante otro clon más de Mario Kart.

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KartRider: DriftKartRider: Drift
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